Delannoy aborda el desarrollo del jazz en el mundo latino. Lo hace destacando sobre todo el punto de vista humano, emociones, culturas, sin perder de vista en ningún momento su propia experiencia. La obra refleja los el carácter cosmopolita del autor, que refleja diferentes perspectivas y una grandísima riqueza cultural. Acorde con este espíritu, el autor da espacio para que cinco músicos, de diferentes países, participen en la obra.
Ensayos sobre música clásica y popular e interpretación musical, escritos magistralmente por Diego Fischerman, uno de los mejores críticos culturales de la Argentina.
Esta edición revisada y actualizada de La música del siglo xx, que incluye además una guía discográfica que privilegia la facilidad de obtención y la calidad de las grabaciones, constituye sin dudas una obra clave e indispensable para comprender y disfrutar la producción musical de los últimos cien años y la que vendrá. Con una claridad expositiva encomiable, Fischerman traza el mapa de la llamada música contemporánea: Debussy, que priorizó el sonido o el color por sobre la función tonal y estructuró el discurso a partir de ritmos y texturas en vez del desarrollo temático, es uno de los puntos de partida; pero también están Satie y su antiwagnerianismo; la nueva tonalidad y el formalismo de Stravinsky; el dodecafonismo de Shönberg, Berg y Webern; Varèse, las masas sonoras y la génesis de la música electroacústica; la indeterminación y el azar en Cage y Feldman; la música popular para ser escuchada; así como también las relaciones con la industria cultural y con el poder político.
Piazzolla. El mal entendido es la biografía definitiva de uno de los compositores de tango más importantes del mundo. La vida y la obra de Astor Piazzolla transcurrieron entre su demonización y el asombrado reconocimiento. Fue el emblema sonoro de una ciudad que buscaba estar a tono con su tiempo y sus aspiraciones. A un siglo de su nacimiento, esta nueva edición de Piazzolla. El mal entendido recupera la trama artística, cultural y política que acompañó al bandoneonista desde su aparición fulgurante junto a Aníbal Troilo hasta su inserción internacional más allá del tango. El ensayo intenta ser un puente crítico de acercamiento a una música que no deja de abrirse a nuevos sentidos y reflexiones. "Este libro siempre ha tratado de ser un puente (uno más) con aquello que nos legó Piazzolla, un modo reflexivo de acercamiento a lo que, primero, llegó como una vibración: el aire de Buenos Aires en movimiento", dicen Fischerman y Gilbert.
«Los cuentos de Diego Fischerman tienen algo de ventana y algo de puerta. Se comienza a leerlos desde afuera. Y de pronto descubrimos que ya estamos dentro, y que ya nunca podremos salir de allí. Entonces comprendemos que hemos sido hechos prisioneros por un gran narrador. Bienvenidos a su casa».
Contra la idea de que la globalización conduce a una cultura homogénea, bajo la batuta estandarizadora de los Estados Unidos, Néstor García Canclini dijo alguna vez que "hay muchas más oportunidades en nuestro futuro que optar entre McDonald's y Macondo". Las historias de músicos en tránsito que se cuentan en este libro muestran, precisamente, cómo algunos de los artistas más influyentes de la música popular argentina hicieron una carrera internacional y llegaron a públicos de todo el mundo, trabajando con creatividad esa tensión entre las demandas y limitaciones de un circuito comercial en manos de multinacionales y sus propias búsquedas estéticas e ideológicas. Karush Cuenta las trayectorias en el exterior de Oscar Alemán, Lalo Schifrin y el Gato Barbieri, en particular sus vínculos con el jazz y el modo en que debieron adaptarse al casillero de "música latina", confirmando estereotipos y a la vez explorando márgenes para la impronta personal. Analiza el itinerario de Mercedes Sosa, quien a principios de los sesenta tuvo eco en un público reducido que apreciaba la poesía y la delicada música de sus temas, y se transformó en una estrella internacional...
Astor Piazzolla (1921-1992) fue un ciudadano del mundo. Durante gran parte de su vida, su música no fue considerada tango; hoy, no podría hablarse de este género sin él. Este excelente libro es el producto de la profunda investigación de su vida personal y, en especial, de sus hábitos de composición y de la influencia de otros músicos de tango, del jazz y de la música clásica, que sumaron a su genialidad una formación musical completa. Cientos de familiares, amigos y colegas de Piazzolla suman sus observaciones, aportando a la biografía una intimidad y una calidez únicas. Las diferentes perspectivas se reúnen en un texto apasionante que da cuenta de un mundo de conocimiento acerca de los elementos musicales y profesionales con los que Piazzolla luchaba todos los días en las diferentes ciudades del mundo donde vivió. En el prólogo, el gran violonchelista Yo-Yo Ma afirma: "La música de Piazzolla es infinitamente apasionada, llena de anhelo y, al mismo tiempo, tremendamente contemporánea". Esta biografía también lo es.
Un concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional en la Bolsa de Comercio de Buenos Aires en 2008 y un discurso de Juan Domingo Perón en un acto de la CGT realizado en el Teatro Colón en 1947: dos escenas que parecen contrastantes y aisladas, pero en las que los caminos del arte y la política se cruzan, son el punto de partida de Gustavo Fernández Walker en este irreverente análisis de algunos discursos que tienen como objeto al Teatro Colón, ese símbolo tan poderoso que parece por momentos saturado de significaciones. Los episodios traumáticos que se vivieron en el Colón –bombas, conspiraciones, intentos de homicidio, refriegas fascistas y antifascistas, bailes sindicales– son también muestras de ese cruce con la realidad política, y vistos dentro de una serie antes que como hechos aislados, ponen en jaque “la idea de un teatro como universo autónomo, cerrado sobre sí mismo” que muchos han abonado. Ni la música es ese ámbito inmaculado al que no alcanzan las miserias de la vida cotidiana, ni la política puede prescindir de espacios que desde su origen están llamados a ser algo más que el mero escenario de obras y artistas más o menos consagrados, señala...
Este ensayo explora la conexión entre el grupo Sur, intelectual, modernizador y de influencia considerable, y la rama de las artes sobre la que menos han reflexionado los pensadores argentinos a través del tiempo. Con rigurosidad y fluidez, Pablo Gianera va hilando temáticas, autores y artículos, su contexto, y la trama de discusiones estéticas que circularon en torno a la música en la primera mitad del siglo xx. En las prosas alejadas de Victoria Ocampo y Juan Carlos Paz, de Ernest Ansermet y H.A. Murena, de Ezequiel Martínez Estrada y Alberto Ginastera, de Igor Stravinsky y Leopoldo Hurtado y Jorge D’Urbano, se puede reconocer hoy una “manera Sur” de escribir sobre arte y, específicamente, sobre música. En el gesto cultivado, en las reglas que lo justifican y en las palabras que revelan el gesto y las reglas está la cultura de una época.
La enseñanza del proyecto en una universidad masiva y con bajo presupuesto es el desafío que recorre estas páginas. El libro se propone como instancia de formación y de debate. No hay en él una teoría nueva respecto de la enseñanza del proyecto sino la exposición de un estado de situación. Los 18 trabajos que lo integran plantean problemáticas, bordean zonas, se acercan a cuestiones que tienen un común denominador: pensar la enseñanza del diseño desde la FADU-UBA. Como muestra, es acotada, pero suficiente para trazar un mapa de las vicisitudes y emergencias del pensamiento sobre la enseñanza del proyecto en la FADU. En los capítulos se promueve la idea que quienes escriben se sienten sólidos respecto de los aspectos proyectuales puestos en juego, pero inseguros respecto de su efectivización. En efecto, el tipo de conocimiento a impartir es un concepto que está en juego a lo largo del libro bajo diferentes aspectos: ¿son conocimientos adecuados a la realidad y al contexto de nuestro país?, ¿desarrollan las habilidades necesarias para hacer frente a los desafíos del mundo, de la época? . Así, llegamos al último de los temas: la complejidad del proyecto. El...
De 1660 a 1991, este libro recorre más de tres siglos de ópera a través del estudio multidisciplinario de ocho títulos líricos, pertenecientes a otros tantos compositores de los más diversos orígenes y estilos. El recorrido musical y teatral incluye Celos aun del aire matan de Hidalgo, Die Zauberflöte de Mozart, Il barbiere di Siviglia de Rossini, La traviata de Verdi, Parsifal de Wagner, Tosca de Puccini, Assassinio nella cattedrale de Pizzetti y Europera 5 de Cage. A lo largo del texto, conceptos musicológicos como los de interpretación, estética, circulación, estilo, recepción, canon o mediación se alternan con presencias más bien insospechadas en este contexto, como las del cristianismo católico, el budismo zen y la masonería rosacruz. Como telón de fondo, aparecen las figuras de Pedro Calderón de la Barca, Emanuel Schikaneder, Thomas Stearns Eliot, Alberto Castelli, Arturo Toscanini, Tullio Serafin, Alceo Toni, Juan Emilio Martini, Thomas Beecham, Tito Schipa, Mariano Stabile, Luigi Montesanto y Daisetz Suzuki.
Julián Delgado realiza un recorrido apasionante por la historia de Almendra, el grupo que formaron, entre 1968 y 1970, Luis Alberto Spinetta, Emilio Del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García. Los primeros pasos de Spinetta en el canto a los 14 años. El encuentro con Del Guercio y el descubrimiento de la música como lugar de rebeldía frente al conservadurismo de la institución escolar; una rebeldía que luego, con el golpe de Estado del 66, cobraría un significado político. La llegada de los Beatles, ese nuevo lenguaje que capturó a los jóvenes y los colocó en el centro de la escena. El surgimiento de Almendra como una apropiación singular de ese nuevo idioma musical. La historia de Almendra es la historia de un tiempo de grandes expectativas y convulsiones, cuyas potencialidades y contradicciones el grupo supo revelar en sus canciones, jugando con el sueño de que podían contribuir a transformar la realidad. Un relato adictivo y detallado, imprescindible para comprender cómo el proyecto musical de cuatro jóvenes veinteañeros sentó las bases del rock nacional y cambió la historia de la música en la Argentina.
La música se enfoca en la dinámica de las relaciones entre sonidos y silencios, y la economía, en la relación de productividad existente entre oferta y demanda. Musiconomía es un libro que busca potenciar las relaciones entre las personas que conforman las empresas a partir de entender cómo se dan esas relaciones y teniendo a la música como plataforma lúdica, lo que da como resultado la gestión del talento humano de una manera eficiente y rentable. Cómo los músicos interactúan para hacer música y cómo la música funciona es la puerta de entrada para ayudar a aumentar capacidad de escucha, liderazgo, desarrollo de talento, empoderamiento y retroalimentaciones efectivas con los equipos de trabajo. Si bien este es un libro que usa la música –y la experiencia de los músicos– como plataforma lúdica para volver más rentable y eficiente la administración empresarial, no es un libro de música sino de gestión del talento humano. Los tiempos que vivimos parecen decir que hay que cambiar, que el plan económico no está funcionando. Cada día hay gente más ensimismada y desmotivada, así que el reto del líder estará en ser más inteligente y creativo –sobre todo ...
¿Es posible que el campo de los estudios del discurso aporte conceptos novedosos y herramientas analíticas específicas a la investigación sobre músicas populares? El presente volumen gira alrededor de esa pregunta y pone en evidencia que la relación música/discurso está siendo largamente transitada en América Latina por investigadores que abordan el tema desde diversas tradiciones, incluyendo la musicología, la etnomusicología, las ciencias sociales en general y la semiótica y el análisis del discurso en particular. Este libro es resultado de un intenso debate entre colegas de diferentes países, en el marco de la Rama Latinoamericana de IASPM (International Association for de Study of Popular Music) y busca un doble resultado. Por un lado, bucear en un primer mosaico de investigaciones relativas al campo de estudios sobre discurso y músicas en la región. Por el otro, y a partir de la puesta en común de las perspectivas teóricas que circulan en el continente, profundizar la producción de conocimiento autónomo y localizado, un objetivo siempre deseable dadas las asimetrías del mercado mundial de conocimiento. Por ese motivo, estos trabajos abordan una amplia...
Pospopulares: Las culturas populares después de la hibridación es un balance profundo de los debates que, desde hace treinta años, organizaron los estudios sobre las culturas populares latinoamericanas. A la vez, propone nuevas perspectivas en tiempos de crisis de la categoría: la pregunta central es ¿qué significa hoy lo popular? La relación entre las culturas populares y la cultura de masas ha cambiado radicalmente en este siglo, de un modo que los textos clásicos no podían prever. La cultura de masas se ha transformado en el gran organizador y jerarquizador cultural; pero las culturas populares siguen señalando en América Latina un exceso, algo que persiste fuera de lo mediático. Y lo que permanece inalterable, aunque con ropajes siempre renovados, es la desigualdad material y simbólica. Aunque cada vez cuesta más hablar de el pueblo, lo que permanece es la jerarquización, la discriminación, la subalternidad - de clase, de etnia, de raza, de género-, la invisibilización, el silencio. Todos los espacios donde, tercamente, habla lo popular.
La música latinoamericana es apasionada y rítmica, pero también triste y reflexiva. En este libro, el musicólogo Juan Pablo González busca articular un pensamiento desde lo que nos ofrece la música, los músicos, las audiencias y las industrias culturales en América Latina. Un pensamiento que permita acercarse a América Latina desde dentro, desde sus venas cerradas, desde aquellas que marcan su pulso y donde circula lo más íntimo de su identidad diversa y dinámica.
Este libro invita a la reflexión filosófica sobre el sentido de la tarea docente, entendida como una búsqueda y una apuesta al servicio de la trasmisión. Contra la idea de que recurrir a la labor de enseñar es la última entre las alternativas profesionales, Gustavo Schujman, filósofo de la educación, afirma que "quienes nos dedicamos a la profesión docente no solemos concebir nuestra tarea solo como un medio de subsistencia, sino que pretendemos que sea una ocupación con sentido". Este análisis invita a la reflexión sobre la elección profesional y sobre el sentido de la tarea docente. Además de recurrir a las fuentes clásicas de la filosofía, Schujman usa referencias al cine, a la literatura y a la música. A través de ellas, el autor construye una fundamentación de la docencia entendida como una búsqueda y una apuesta al servicio de la trasmisión.
Una guía indispensable, la mejor herramienta para encontrar el camino a la discoteca de tango ideal.
Juan Sasturain junta en un rebaño de cuentos toda su sabiduría de tahúr del relato. Pocos pueden como el autor de «Manual de perdedores» esconder una carta y sacarla en el momento justo, o hacer la vista gorda hasta que las circunstancias exijan una acción inmediata.
Escritores y deportistas, cómicos y políticos, divas y luchadoras, héroes y asesinos... todos mueren. Y todos, en general por acto, pero también por omisión, se despiden de este mundo de alguna manera, producen un último gesto. Este libro cataloga distintas formas de marcharse, con las «últimas palabras» como eje, como una de las bellas artes, como género literario.
¿Qué papel tiene la música en la vida sexual de las personas? ¿Cuáles son las representaciones de la sexualidad en las obras musicales clásicas y populares? ¿Qué consecuencias tienen, sobre la insistente presencia del sexo y el amor en la historia de la música, su devenir comercial y su digitalización? ¿Cómo podemos repensar, a partir de la sexualidad, los poderes de la música? Desde Mozart hasta Adorno, desde Wagner hasta Cardi B, pasando por Pink Floyd, Guy Debord y Madonna, por el tango, la música de películas y la vanguardia, cada uno de los dieciséis capítulos que componen Playlist. Música y sexualidad aborda estas cuestiones desde una entrada singular, como una serie de variaciones sobre un tema musical. Todos ellos son autónomos y se pueden leer uno tras otro o en cualquier orden, acompañados de sus correspondientes playlists musicales. Esteban Buch varía enfoques y casos, combinando la sociología de la cultura con la historia cultural, la musicología feminista y queer con las ciencias cognitivas. Perfila así una nueva ecología sonora, capaz de dar cuenta tanto de las estéticas del placer como de las lógicas de la dominación.
Hay muchas versiones sobre los orígenes del tango: se dice que nació en las orillas, que tardó mucho en ser admitido por la alta sociedad, que se bailaba en los prostíbulos porteños. En este libro, el gran estudioso del tango Héctor Benedetti logra sortear esas imágenes de idealizada marginalidad para analizar el devenir del género, desde el siglo XIX hasta las nuevas expresiones del siglo XXI. Así, construye una historia diferente y original, una obra de referencia que, a contrapelo de la tendencia más extendida, no recae en la sumatoria de biografías elogiosas ni en el esquematismo de las divisiones rígidas. Por el contrario, apuesta a sistematizar y articular un largo curso de acontecimientos y dar su justo lugar a los hechos y personajes más notables. Además de indagar en el momento fundacional, recorre el período de la consolidación del género con la incorporación del bandoneón, la conformación de un repertorio, la aparición de la orquesta típica y las posibilidades de difusión de la industria fonográfica. Explora el pasaje de la Guardia Vieja hacia las nuevas corrientes, y advierte las secuencias de inercia creativa, crisis y renovación que lo...
La vida de un hombre no alcanza para explicar su música, pero en algunas músicas puede cifrarse una vida.
La estetización es un fenómeno presente en gran parte del arte y el pensamiento actuales que puede rastrearse en los escritos de filósofos desde la Ilustración hasta nuestros días. El siglo XX muestra una gran variedad de corrientes artísticas que buscaron nuevos modos de expresión, entre ellas las vanguardias negativas, las cuales encontraron caminos hasta entonces inexplorados, llevando al arte a una "desarticidad" donde la capacidad artística era aplastada por la estética del pensamiento Este hecho también se dio en la música, desde los futuristas italianos a las obras de John Cage o los minimalistas, que fueron referencia de multitud de artistas de la música pop. Este libro analiza el origen de estas corrientes musicales y la influencia que han tenido en la estética y el pensamiento musicales de la segunda mitad del siglo XX.
En este volumen se desarrollan de una forma completa y rigurosa los temas que ha de regir las pruebas de selección para la categoría de Maestro de Educación Musical, según lo establecido en la LOE en su redacción dada por la LOMCE. En este volumen encontrará: - Referencias legislativas y/o bibliográficas al inicio de cada uno de los temas. - Objetivos a conseguir con cada uno de los temas. - Contenidos totalmente actualizados a la fecha de edición. - Esquemas - Resúmenes finales. Sin duda este material supondrá una gran ayuda para el opositor y le permitirá afrontar con éxito el proceso selectivo.
El nuevo libro de Nelson Caula, en el que la pasión y la historia se mezclan para crear un ritmo propio de nuestro país. Del candombe beat, conocido género de la música popular uruguaya germinado en la década del sesenta, directamente vinculado al rock, su esencia más distintiva en el país, se ocupa este libro, abordado aquí en amplias aristas: historia, autores e intérpretes, discos y canciones, hitos preponderantes y su contexto político, social y cultural. Combinando historia, crónica, memoria y análisis, Nelson Caula nos ofrece una mirada muy personal, basada en una profunda reflexión a partir de la sistematización e investigación de su propio archivo, reunido en más de cuatro décadas e inédito hasta el momento. Desde los orígenes, un protocandombe beat prácticamente desconocido del afrouruguayo Pedro Ferreira y los Candombes de Vanguardia impulsados por Georges Roos, hasta la aparición de El Kinto, el primer conjunto emblemático que estrenó el género, pasando por todo su rutero de fuerte presencia en el país hasta los años setenta, cuya expresión local sólida concentra el grupo Totem, y su fuerte proyección de ahí en más, con sus referentes...
De uno a otro extremo del mundo occidental y desde mucho antes de esa Antigüedad que nombramos clásica, siempre ha habido hombres lobos. Sobrevivieron al exterminio sistemático al que, en muchos países europeos, fueron sometidos los lobos, y también a los múltiples fuegos de la Inquisición. Se los ha visto merodear incluso en aquellas latitudes donde el lobo nunca ha habitado. Son una idea monstruosa, el fruto de la imaginación, del miedo, de la noche y la ignorancia. Su realidad se apoya en una enorme variedad de ideas curiosas -y, en más de una oportunidad, absolutamente descabelladas- que Occidente ha ido acumulando, a lo largo de más de dos mil quinientos años, en cientos de historias que, con justicia, merecen calificarse de maravillosas. Las muchas páginas que generaron a través de ese lapso son la materia de este libro, que reúne mitos, leyendas y textos filosóficos, religiosos, literarios, científicos, antropológicos, legales y periodísticos, recopilados a lo largo de mucho tiempo
Este estudio analiza las estrategias ensayísticas y ficcionales de Ricardo Piglia, uno de los escritores vivos en lengua española más aplaudidos por la crítica actual. Enfoca por vez primera el conjunto de la obra pigliana desde perspectivas integradoras e interdisciplinares, con la literatura comparada y los parámetros críticos de Gerard Genette como herramientas básicas para trazar genealogías novedosas. Aborda tanto sus textos centrales como breves prólogos, epílogos y «notas al margen» hasta ahora desatendidos por los estudiosos, pasando por otras propuestas insólitas que invitan a repensar los límites de la experimentación narrativa. Temas como la fragmentación del yo literario, el empleo de citas falsas o la movilidad de las fronteras entre géneros desfilan por las páginas de un libro que lanza preguntas al aire: ¿Cómo se entrecruzan el crítico, el creador y el diarista? ¿Cuáles son los umbrales de lo narrable? ¿Qué trampas sutiles se le pueden tender al lector? ¿Qué significa escribir desde una narrativa «futura»? ¿Qué implicaciones tiene la reescritura como recurso? ¿En qué medida puede ser Piglia considerado un postmoderno? A estas y otras ...
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