Pili.la

La idea de espacio en la arquitectura y el arte contemporáneos, 1960-1989

Autor: Javier Maderuelo Raso

Número de Páginas: 432

La presente obra recrea el espacio como tema en la arquitectura y el arte contemporáneos, principalmente en el periodo que abarca desde los primeros años sesenta hasta finales de los ochenta, cuando la idea de espacio cobró un especial protagonismo. El análisis del papel del espacio en las artes se centra en la escultura y sus desbordamientos, de manera que se establece una especie de dialéctica entre el espacio arquitectónico y el escultórico, rastreando los ricos márgenes que se han generado en los límites de ambas disciplinas y que han dado origen a otros nuevos géneros en los que lo espacial aparece como una de sus características más definitorias. Sin pretender llega a hacer una historia de la cultura de una época o momento determinado, este ensayo intenta superar las metodologías al uso en historiografía del arte, así como los conceptos preestablecidos sobre las distintas artes para, sirviéndose de ideas y acontecimientos filosóficos, artístico, musicales, literarios y arquitectónicos, trazar un perfil del ambiente cultural que se respiró en Occidente tras la Segunda Guerra mundial. Para ello se sirve de un hilo conductor: la idea de espacio.

Historia de la crítica del arte

Autor: Jesús Pedro Lorente

Número de Páginas: 710

Piero Manzoni

Autor: Francisco Javier San Martín

Número de Páginas: 266

Durante su corta existencia, Piero Manzoni (Soncino, Cremona, 1933 – Milán, 1963) dedicó su trabajo a socavar las ideas y las prácticas dominantes en el arte de su tiempo. Obras como los Achromes, cuadros realizados sin pintura; las Líneas encerradas en cilindros de cartón; las Bases mágicas (quien subiera a ellas se convertiría en obra de arte) o la Mierda de artista, envasada en pequeñas latas y vendida por el precio equivalente de su peso en oro, permanecen en la actualidad como hitos de la más extrema transgresión vanguardista.

Corpus frontera

Autor: Valeria Radrigán Brante

Número de Páginas: 157

Corpus frontera, antología crítica de arte y cibercultura (2008 – 2011), es un libro que recoge diez artículos de Valeria Radrigán agrupados en cuatro ejes temáticos. Estos dan cuenta de una investigación con especial énfasis en procesos creativos transmediales, teoría cyborg, y cuerpo y escena contemporánea. «La autora nos plantea la posibilidad de cuestionar una nueva forma de articular la realidad, más libre y próxima a nuestra actual existencia (pos) biológica, más rupturista de la que habitualmente conocemos como cuerpo y sus fronteras […] Más allá de tecnofobia o tecnofilia, lo que importa es cierta nueva inestabilidad, como la pensaba Severo Sarduy en la última etapa de su vida. De esa manera se alcanza la dimensión de la gran incertidumbre que nos mantiene en estado de alerta para no desadvertir lo que puede ser esencial.»

Historia del arte universal de los siglos XIX y XX

Autor: Ana María Preckler

Número de Páginas: 736

Estudio del arte universal de los siglos XIX y XX a través de los artistas más representativos de cada país, con especial atención al arte español, en las tres disciplinas fundamentales de arquitectura, pintura y escultura.

Arte povera

Autor: Aurora Fernández

Número de Páginas: 279

Originariamente italiano y nacido al calor del sesenta y ocho, el arte povera pronto sintonizó con las corrientes posminimalistas tanto europeas como americanas. El adjetivo povera ha perdurado como indicador de una sensibilidad preocupada por situar al artista en el nexo Naturaleza/cultura; por la valoración de materiales frágiles e inestables; por la energía y el proceso y la huida del artista como productor de artefactos únicos y duraderos. Muchos han sido los artistas que se consideran deudores de su aire conceptual y de su apuesta para que las actitudes y los procesos se conviertan en forma.

El desaliento del guerrero

Autor: Jesús Martínez Oliva

Número de Páginas: 424

Se recogen y estudian los debates teóricos sobre el género a finales del siglo XX, que situaron a la masculinidad en el punto de mira, y se aborda la producción artística en la que la virilidad hegemónica queda desplazada por las hasta entonces consideradas masculinidaddes marginales o abyectas y por las visiones constructivas y performativas de la masculinidad, que insisten en su desnaturalización y la presentan como una mascarada y una puesta en escena.

Las imágenes del sonido (2a edición corregida)

Autor: Javier Ariza Pomareta

Número de Páginas: 272

Uno de los aspectos más importantes que el lector puede apreciar en la lectura de ete libro se encuentra en la visión que el autor presenta del comportamiento artístico acontecido durante el siglo XX atendiendo fundamentalmente a las relaciones que los creadores, artistas plásticos y músicos, han generado en torno a la reflexión teórica y práctica del sonido y sus derivaciones poéticas y expresivas. A través de una estructura temporal y temática el liro ofrece una nueva visión del arte del siglo XX atendiendo a su caracter interdisciplinar y la capacidad maleable del sonido como materia prima en la concepción y desarrollo de la obra artística. Esta publicación revela una panorámica amplia de las diferentes estrategias y metodologías que han permitido a un número creciente de artistas considerar las posibilidades creativas de un arte esencialmente acústico, así mismo, su contenido presenta las claves de los nuevos parámetros que condicionan su obra y las relaciones, prácticas y conceptuales, que concilian dos mundos en apariencia opuestos, el visual y el sonoro.

Arte después de la modernidad

Autor: Brian Wallis

Número de Páginas: 488

El derrumbamiento del movimiento moderno en las artes ha suscitado un asombroso repertorio de respuestas artísticas y críticas. Los veinticinco ensayos que recoge Arte después de la modernidad proporcionan una perspectiva general de las direcciones más interesantes que han seguido el arte y la crítica recientes, al abordar temas como el declive de la ideología moderna en las artes o la emergencia de una amplia gama de prácticas artísticas posmodernas. las corrientes actuales en pintura, cine, vídeo y fotografía. las investigaciones de artistas pertenecientes al ámbito de las artes plásticas en torno a los medios de comunicación y el tipo de imágenes que emplean. o la dinámica del tejido social en el que se produce y se difunde el arte. Esta compilación es una guía indispensable para comprender tanto las ideas como los temas que animan el arte contemporáneo, ese giro cultural de gran alcance que se ha dado en llamar posmodernidad.

Bioarte

Autor: Daniel López Del Rincón

Número de Páginas: 287

Partiendo del análisis exhaustivo de un conjunto significativo de artistas y obras, el presente volumen revela que tras la aparente homogeneidad del término «bioarte» se oculta una larga y compleja historia de relaciones entre arte, biología y tecnología. La vocación abarcadora del texto, primer estudio de conjunto sobre el tema escrito en castellano, permite analizar la posición que ocupa el bioarte con respecto a otros marcos establecidos, tanto artísticos como científicos. Las tensiones que se producen entre el bioarte y estos marcos actualizan debates cruciales para la comprensión del arte actual: las relaciones entre arte y vida que atraviesan todo el arte contemporáneo, la atribución de una función crítica de las manifestaciones artísticas interdisciplinares, o la teorización de la (in)materialidad en el ámbito del arte y los nuevos medios.

Andy Warhol

Autor: Lourdes Cirlot

Número de Páginas: 263

La figura de Andy Warhol (1928-1987) es, sin duda, una de las más carismáticas, no sólo en el contexto del pop art norteamericano, sino también en relación con las diversas tendencias que se dieron en la segunda mitad del siglo XX. Artista polifacético -grafista, diseñador, pintor, cineasta, fotógrafo, promotor de grupos musicales y escritor-, se instaló en Nueva York a principios de los años cincuenta y, tras un período en el que su tarea estuvo relacionada con el diseño, empezó a pintar. Pronto se hizo muy famoso y su obra ha llegado a influir de manera decisiva en los artistas de generaciones posteriores.

Arte y performance

Autor: Pedro Alberto Cruz Sánchez

Número de Páginas: 672

La presente obra constituye el primer esfuerzo riguroso y omniabarcador por desarrollar un relato histórico de la performance desde las experiencias que salpicaron las vanguardias hasta las formulaciones más contemporáneas.En primer lugar, se ofrece un amplio análisis sobre la presencia que las estrategias performativas tuvieron en las vanguardias históricas. Identifica después aquellas rupturas que se produjeron en el seno de la «modernidad» tras la Segunda Guerra Mundial y que condujeron a la eclosión de movimientos tan decisivos como el happening y el Fluxus. Aborda a continuación el surgimiento y desarrollo de la performance posmoderna, fruto del descentramiento del sujeto, y, finalmente, analiza la reformulación de los lenguajes performativos en el actual contexto de la globalización.En estas páginas, el autor analiza con maestría el zigzagueante itinerario trazado por las llamadas «artes vivas», también desde un punto de vista poscolonial; traza un amplio arco que desborda las estrechas concepciones, privativas de Occidente, que han ahormado con frecuencia las narrativas de la performance y se adentra en la intensa y prolija praxis artística desarrollada en ...

Seis anos

Autor: Lucy R. Lippard

Número de Páginas: 382

Obra fundamental que recoge los testimonios directos -obras de arte, entrevistas, declaraciones, textos...- de los protagonistas de uno de los movimientos -el llamado arte conceptual- que mayor trascendencia han tenido en la evolución artística de la segunda mitad del siglo XX.

Actas Congreso INARS.

Autor: Alberto Mañero

Número de Páginas: 466

Actas del Congreso celebrado en Sevilla (1998), en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Aporta nuevas metodologías y analiza el estado de la formación en la educación artística en las universidades españolas.

El esplendor de los sesenta

Autor: Thomas Crow , Thomas E. Crow

Número de Páginas: 196

Amplio y magníficamente ilustrado análisis del arte de los sesenta (1955-1969) en relación a los movimientos socioculturales y políticos que lo sustentaron y la respuesta que suscitaron hasta convertirse en una influencia fundamental en el arte de nuestros días.

Arte actual

Autor: Pascual Patuel

Número de Páginas: 460

«Arte Actual» es un estudio de las manifestaciones plásticas que han tenido lugar en los últimos 50 años, con la intención de desenmarañar este período de nuestra historia del arte cercano. La falta de visiones globales, la insuficiente perspectiva histórica o la dispersión documental, plantean dificultades a los estudiosos del arte. Se inicia el recorrido a mediados de los años sesenta, cuando las artes plásticas inician un proceso de desmaterialización que constituye un cierto corte substancial respecto al panorama anterior, hasta desembocar en el período actual de la Postmodernidad. El estudio incide en las líneas fundamentales de este periodo, reuniendo a los principales creadores y representantes de cada corriente o movimiento artístico, y centra su atención en el accionismo, las nuevas tecnologías aplicadas al arte, la pintura y la tridimensionalidad.

El montaje expositivo como traducción

Autor: Isabel Tejeda Martín

Número de Páginas: 147

El montaje como traducción cuestiona la presentación expositiva del arte contemporáneo por medio de varias preguntas relacionadas con las transformaciones en la manera de hacer, de mostrar, de ver y de entender al arte desde finales de los años 60 hasta la actualidad. En obras cuya forma es variable e inestable, ¿existe un procedimiento correcto de exhibición? ¿Qué sucede con aquellas manifestaciones artísticas que no han sido pensadas para ser expuestas? ¿Es el formato expositivo el medio adecuado para cualquier tipo de obra? ¿Cómo volver a mostrar una obra instalativa cuando las condiciones originales de presentación han desaparecido? ¿Debemos optar por la traducción y esclarecimiento del contexto de producción de una pieza o, más bien, conviene diseñar montajes en los que se prime la experiencia del espectador ante la obra sin ningún tipo de mediación?

Anish Kapoor

Autor: Eva Fernández Del Campo

Número de Páginas: 307

Nacido en la India en 1954 y afincado en Londres, Anish Kapoor se ha convertido en uno de los artistas más emblemáticos del panorama atístico actual y en un claro representante del multiculturalismo que inaugura el siglo XXI. Su obra, en la que se funden vocabularios visuales y códigos culturales de diversos tiempos y lugares, no entiende de fronteras y busca los puntos de unión y las coincidencias en las divergencias y en los límites: lo colonizado y lo colonizador, el Este y el Oeste, lo ancestral y lo moderno, la naturaleza y la cultura, lo sagrado y lo secular...todo ello amalgamado en piezas de una gran simplicidad (huevos, montañas, ojos...) que adquieren un sinfín de significados y cuyo resultado plástico es de una impactante contundencia. Obras cargadas de misticismo y de sensualidad que son umbrales, puertas, que nos permiten asomarnos al interior de la corteza de nuestro mundo, enfrentarnos al abismo poético y palpitante que reina al otro lado, para finalmente reconocer la omnipotencia del vacío.

Arte, acción y participación

Autor: Frank Popper

Número de Páginas: 324

Desde hace una veintena de años, las artes de vanguardia se han visto marcadas por dos problemas, simultáneamente sociales y estéticos: el entorno y la participación del espectador. En todas partes se ha desarrollado así un nuevo arte, hoy suficientemente consolidado como para constituir el objetivo de una obra de conjunto. En la primera parte, los análisis de Frank Popper, iluminan la nueva función del artista en las sociedades actuales. En la segunda parte, consagrada a la creatividad en la actualidad, se estudia más profundamente la intervención del espectador en el proceso estético, y la aplicación de técnicas y métodos como la cibernética y la electrónica junto con los fundamentos científicos del arte, los problemas estéticos y tecnológicos que presenta la reproducción industrial del objeto artístico. Por tanto esta obra redefine las relaciones entre el artista, el teórico y el espectador, en aras de la aparición y formación de un nuevo pensamiento estético contemporáneo.

Tendenci@s. Perspectivas femeninas en el arte actual

Autor: Ana Martínez-collado

Número de Páginas: 298

Didáctica de la liberación

Autor: Luis Camnitzer

Número de Páginas: 434

Durante los años sesenta y setenta el conceptualismo en Latinoamérica jugó un papel diferente al europeo y norteamericano, en lo que primaba la institucionalización y comercialización del objeto artístico. En la cultura latinoamericana, sin embargo, el conceptualismo es una estrategia y no un estilo. Sus raíces bucean hasta principios del siglo XIX en los trabajos de Simón Rodríguez -tutor de Simón Bolívar-, y continúan hasta llegar al punto en el que el arte se entrecruza con la política -como sucede con el grupo argentino "Tucumán arde"-, y donde la política se entrecruza con el arte -como con el movimiento "Tupamaro" en Uruguay-. Camnitzer señala cómo, después de 1970, las manifestaciones conceptualistas se integran en el arte más convencional y describe alguna de las consecuencias que surgieron cuando el arte pasó de ser un instrumento político a lo que se conoce como arte político

Fashion Theory

Autor: Valerie Steele

Número de Páginas: 360

Mediante el análisis de la figura del dandi en Baudelaire, la circulación de imágenes de moda en la prensa femenina del siglo XIX o las exhibiciones en museos, estos textos abordan la moda desde diversas perspectivas, como un factor fundamental que moldea tanto la historia colectiva como la de los individuos. Valerie Steele –doctora en historia, curadora del Museo del Fashion Institute of Technology de Nueva York y referente ineludible de los Estudios de Moda– explora aquí el espacio que ocupan la moda y sus imágenes en el consumo, en la cultura urbana, en la literatura y en el arte. Desde objetos de consumo hasta piezas de museo, el deseo se entreteje en las prendas y las transforma en instrumentos de tortura, de placer, de poder y de representación.

Texturas Nº 23

Autor: Manuel Ortuño , José María Barandiarán , Manuel Gil

Número de Páginas: 130

Índice 01_Corondel ¿Qué es un director literario? Josep M. Castellet 02_Filete Una historia de las resistencias a los futuros del libro Alejandro Zenker Hacer visible lo invisible Alejandro Katz Ocaso en el imperio editorial español Bernat Ruiz Domènech Los viajes de los autores y los viajes de los libros Ricardo Nudelman Una preocupación bastante fuerte o el beneficio de la técnica en la educación Joaquín Rodríguez Rimas y leyendos Álvaro Sobrino Situación actual del mercado editorial en Italia Valentina Morotti 03_Bigote La edición pobre Gabriela Torregrosa Edición independiente y globalización editorial. El caso de los editores de ensayos «críticos» en Francia Sophie Noël Una propuesta de definición Michel Valensi Manifiesto ODEI ODEI (Observatorio de la Edición Independiente) 04_Ladrona Libros y blogs

D'Art 1996 entre dos finals de segle

Número de Páginas: 332

Voces disidentes contra la misoginia

Autor: Pablo García Valdés , Raisa Gorgojo Iglesias , Enrique Mayor De La Iglesia

Número de Páginas: 823

Genealogías del arte contemporáneo

Autor: Jaime Repollés Llauradó

Número de Páginas: 274

Genealogías del arte contemporáneo no es un manual de movimientos artísticos contemporáneos, ni un glosario de artistas plásticos destacados por la reciente historia del arte, ni tampoco una muestra de las tendencias estéticas más pujantes de la modernidad. Es un libro que pretende narrar el origen prehistórico, clásico o medieval de aquellas obras de arte contemporáneo cuyas genealogías se enraícen en el primitivismo, el paganismo y el cristianismo. En sus capítulos se han abarcado estas tres grandes tradiciones occidentales de la mano de un cicerone que sesgó tajantemente la interpretación de cada legado por la modernidad. El primitivismo actual se ha revisado de la mano de Lévi-Strauss. el paganismo gracias al mito de Ulises y el cristianismo gracias al escritor Marcel Proust.

Claes Oldenburg, dibujos, 1959-1989, de la colección de Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen

Autor: Claes Oldenburg , Coosje Van Bruggen

Número de Páginas: 121

Angel Crespo

Autor: Antonio Piedra , Pilar Gómez Bedate

Número de Páginas: 332

Catálogo de la exposición homónima que se inauguró en el Círculo de Bellas Artes, Sala Juana Mordó, Madrid el 20 de abril de 2005 y que permaneció en Madrid hasta el 3 de julio de 2005. Se convirtió en exposición itinerante por diversos centros del Instituto Cervantes, como el de Roma o Lisboa, hasta 2008. Biografía, obra y crítica se reúnen en un tomo de más de trescientas páginas en el que, además, se da cuenta de los objetos y documentos que componen la exposición. El libro se divide en cuatro partes: 1. Mis caminos convergentes, un texto autobiográfico de Ángel Crespo; 2. Poesía y vida, textos del propio Crespo acompañados de fotografías y objetos de la exposición; 3. Miradas críticas, artículos de una docena de especialistas, conocedores y amigos de la obra de Crespo; 4. Con el tiempo, contra el tiempo, una exhaustiva cronología acompañada de imágenes y una bibliografía escogida.

Modernidad y tradición en la obra de Giorgio de Chirico

Autor: María Teresa Méndez Baiges

Número de Páginas: 308

Las imágenes del sonido

Autor: Javier Ariza

Número de Páginas: 268

Estudio del arte del siglo XX atendiendo fundamentalmente a las relaciones que los artistas plásticos y los músicos han generado en torno a la reflexión teórica y práctica del sonido y sus derivaciones poéticas expresivas y a la capacidad maleable del sonido como materia prima en la concepción y desarrollo de la obra artística. Se analizan las diferentes estrategias y metodologías que han permitido a gran número de artistas considerar las posibilidades creativas de un arte esencialmente acústico.

Aprendiendo del Guggenheim Bilbao

Autor: Joseba Zulaika Irureta

Número de Páginas: 300

Considerado un hito urbanístico singular, el edificio otorgó a la arquitectura un rango de relevancia fundamental en la transformación de los paisajes urbanos. Es la historia del arquitecto como héroe y, tal como creían los griegos, de la arquitectura como la primera de las artes –arché–. El Guggenheim Bilbao hizo por los vascos lo que la Ópera de Sidney había hecho por Australia. A pesar de sus protestas por haber sido «tachado de genio hasta la extenuación», Gehry se convirtió no sólo en un arquitecto maestro sino además en el artista maestro. «¿Por qué tanto alboroto?», se preguntó Hal Foster. ¿Acaso el museo de Gehry no revelaba los aspectos más problemáticos del monumentalismo moderno y de la farsa populista posmoderna? En el presente libro, artistas (Fraser, Haacke, Muntadas, Sekula), críticos de arquitectura (Colomina, Gilbert-Rolfe), urbanistas (Azúa), historiadores del arte (Guilbaut, Guasch, Moxey, Welchman), especialistas de museos (Cámara, Viar), escritores sobre arte y turismo (Lippard, MacCannell) y antropólogos (Zulaika) debaten sobre distintos aspectos del Guggenheim bilbaíno desde una perspectiva interdisciplinar.

Piero Manzoni

Autor: Piero Manzoni , Germano Celant

Número de Páginas: 241

Pequeño libro de Prada

Autor: Laia Farran Graves

Número de Páginas: 162

La elegancia y el lujo discretos, los tejidos innovadores y la sublime originalidad en el diseño son las señas de identidad de la casa Prada. En esta monografía bellamente ilustrada, Laia Farran Graves documenta la historia y el legado de la marca, desde los orígenes de la empresa como fabricante de marroquinería en Milán hasta el imperio mundial de la moda creado y dirigido por Miuccia Prada. Un análisis de las evoluciones e innovaciones de la marca, así como un espíritu de una identidad basada en el interés por el minimalismo y el arte contemporáneo. Con imágenes de prendas individuales, tomas de desfiles y fotografía de moda que rinden homenaje a una de las casas de moda más influyentes del mundo y a la mujer que hay detrás de ella. "El problema perenne de querer hacer estructuras es que permitan moverse y sean cómodas, no muy rígidas". Miuccia Prada

Crítica y pintura en los años ochenta

Autor: Daniel A. Verdú Schumann

Número de Páginas: 333

Crítica y pintura en los años ochenta analiza las complejas relaciones entre la crítica de arte y la práctica pictórica entre 1980 y 1992. En los tres primeros capítulos se abordan los orígenes de dicha práctica en sus principales focos –Italia, los países germánicos y Estados Unidos– a partir de las formulaciones críticas de sus diversas variantes. Desde el punto de vista teórico la época estuvo marcada indeleblemente por el debate en torno a la posmodernidad; asunto central en el caso de las artes plásticas por cuanto en ellas se encarnó, tanto real como simbólicamente, el cuestionamiento del modelo de progreso de la modernidad. El modo en que la crítica se apropió de los discursos posmodernos y los debates ideológicos y estéticos asociados a este proceso –articulados no sólo en torno al regreso de la figuración y su evolución, sino también a la propia legitimidad de la práctica pictórica y a los orígenes de su resurgimiento– conforman el núcleo central de estas páginas. Los restantes capítulos están dedicados al caso español. El interés del mismo reside menos en el valor intrínseco de las obras de nuestros artistas que en las profundas...

Dramaturgias de la imagen

Autor: José Antonio Sánchez Martínez , José A. Sánchez

Número de Páginas: 244

Dramaturgias de la imagen constata la pérdida de validez de un modelo de representación teatral que hizo crisis a finales del XIX y, lo que es aún más interesante, trata de sistematizar la aparición a lo largo del siglo XIX de múltiples propuestas, provinientes de la vanguardia teatral, pero sobre todo de otros campos, que confluyen en la elaboración de nuevos modelos escénicos. Joaquín Medina (Escritor y gestor cultural).Sánchez ha escrito un libro necesario: hace conocer, difunde expresiones artísticas importantes, pero al mismo tiempo establece redes, vasos comunicantes que permiten entender mejor el panorama teatral de este siglo. Por otra parte, dedicarse a estudiar esta zona del teatro, con la pasión que él lo hace, implica una toma de posición frente a la experiencia teatral más recocnocida, que Sánchez sostiene con firmeza. Julia Elena Sagaseta Teatro del Sur . Buenos Aires (Argentina).

La ciudad interrumpida

Autor: Julià Guillamon

Número de Páginas: 371

Una obra precursora que mostró las primeras sombras del modelo Barcelona. Una crónica de veinticinco años de Barcelona, entre la contracultura y los Juegos Olímpicos, a partir de la arquitectura, el diseño, el periodismo, el arte, el cómic, la fotografía, el cine, las costumbres urbanas y, sobre todo, la literatura. Novelas y cuentos nos guían por la Barcelona de los años setenta, decrépita pero querida. Asistimos a su transformación en una ciudad planificada por los poderes públicos y los capitales internacionales. Con la llegada del turismo de masas, se ha convertido en una referencia en el mundo global, pero muchos habitantes le han dado la espalda. Publicado en catalán en 2001, es al mismo tiempo un testimonio personal, un libro de crítica literaria y un documento de historia de la cultura. Una obra que puso en evidencia la distancia entre la ciudad y sus creadores. Ahora incorpora un nuevo ensayo que pasa revista a los últimos quince años de ficciones urbanas.

La obra de arte como objeto de intercambio. Procesos y estructuras del mercado del arte

Autor: Nacho Ruiz

Caminos de la escultura contemporánea

Autor: Javier Maderuelo

Número de Páginas: 349

La escultura, durante el convulso y apresurado siglo XX, ha experimentado enormes transformaciones, tanto formales como conceptuales que fueron esenciales en la construcción del pensamiento contemporáneo. Este libro pretende recorrer algunos de los caminos transitados por la escultura por medio del análisis de las ideas y las obras de algunos artistas que pueden ser considerados como hitos en esos recorridos. El libro no es, ni pretende ser, una «historia de la escultura», es decir, un mapa completo de esos caminos, sino que se articula como un conjunto de ensayos independientes que, sin embargo, han sido trabados para ofrecer una visión de conjunto de un periodo del arte contemporáneo particularmente agitado y contradictorio. La trabazón que ensarta a los diferentes escultores que aquí se presentan se hace explícita en una serie de temas que han ido interesando a los artistas, ofreciendo cada uno de ellos respuestas diferentes y, en la mayoría de los casos, complementarias a los problemas con que se enfrentaron.

Desde lo curatorial

Autor: Ángel Calvo Ulloa , Juan Canela

Número de Páginas: 288

Desde lo curatorial reflexiona sobre la curaduría en el Estado español, rozando levemente el contexto latinoamericano. Desde una posición cercana a los modos de hacer, la escritura aquí se aleja de verdades establecidas y estructuras cerradas. No se pretende hacer un repaso histórico ni establecer una taxonomía fija, sino sugerir posibilidades, estrategias, tácticas y prácticas para el incierto terreno de lo contemporáneo, manteniendo una visión orgánica y porosa del comisariado. Los curadores Ángel Calvo Ulloa y Juan Canela conversan con otros profesionales sobre arte y cuestiones político-sociales que atraviesan su trabajo: condiciones laborales, conciliación familiar, relaciones con artistas, multidependencia, fórmulas institucionales, mercado, evolución del formato expositivo o cómo afectan y se afrontan fenómenos como el 8M o la crisis del COVID-19. A través de voces de varias generaciones percibimos una amalgama de la práctica curatorial en estos primeros años del siglo XXI: Martí Manen, Gabriel Pérez Barreiro, Chus Martínez, Manuela Moscoso, Agustín Pérez Rubio, Catalina Lozano, Aimar Arriola, Pablo Lafuente, Tamara Díaz Bringas, Nuria Enguita,...